Eurípides creó para adorar, Shakespeare creó
para soñar, Moliere creó para reír, Brecht creó para reflexionar, Stanislavsky
creó para creer, Strasberg creó para mover, Barba creó para ser y así muchos de
los más destacados artistas de la escena buscaron en el teatro presentar lo que
para el mundo son sus pensamientos y sus ideas emocionales y racionales.
La evolución del arte del actor y la palabra
fue precisamente dejar de ser el arte del actor y la palabra y convertirse en
el arte del director, el actor y la palabra; y a pesar de esto y del paso del tiempo el arte escénico sigue siendo el máximo arte de la expresión del
ser y la emoción vivida; sigue siendo un arte colectivo por excelencia, sólo que ahora se busca la mirada de uno solo; solamente uno decanta del llanto, la risa y el pensamiento una idea para ilusionar, con énfasis especial no debemos olvidar que como artistas de la escena estamos llamados a ilusionar; todos debemos estar conscientes que quien contempla busca una ilusión.
La filosofía moderna sustenta la tesis de que el hombre necesita vivir
idealizado para sobrevivir a sí mismo; entonces fácilmente se puede concluir que las artes existen porque el público expectante espera
idealizar por medio de una ilusión, espera ser transportado a mundos en donde él tenga regocijo para su
espíritu y su mente, como asume en su teoría Konrad Von Lange; es el goce
estético.
Este goce estético en el génesis del teatro estaba relacionado con ideas espirituales; en otros momentos ha estado ligado a la belleza de la palabra y sus
formas más elevadas; o en consideración a los problemas del hombre y la
sociedad; pero en el presente esa ilusión está ligada a las sensaciones, a la
conquista de unos ojos que impactados por millones de imágenes por segundo, de espectaculares formas logran percibir contenidos directos e indirectos.
Definitivamente el goce estético está expuesto a definiciones racionales y sensoriales de un "contenido"; que a veces es explícito y a veces llega a mí sin darme cuenta; la complejidad impuesta requería garantizar el objetivo final, dirigir el contenido por medio de una ilusión y para ello se requería entonces contemplar tal cual lo hace el público para poder debatir lo que es y lo que no es y sus posibles efectos emotivos y cognitivos; la Estética podría afirmar Kant.
Definitivamente el goce estético está expuesto a definiciones racionales y sensoriales de un "contenido"; que a veces es explícito y a veces llega a mí sin darme cuenta; la complejidad impuesta requería garantizar el objetivo final, dirigir el contenido por medio de una ilusión y para ello se requería entonces contemplar tal cual lo hace el público para poder debatir lo que es y lo que no es y sus posibles efectos emotivos y cognitivos; la Estética podría afirmar Kant.
La aparición de la dirección como carrera
artística es paralela a la aparición del cine como invento científico en la
historia. El desarrollo del cine y de la dirección entonces tuvo el mismo grado
de evolución y no se podría desconocer la idea de que la dirección surge como
una necesidad de enfrentarse a la revolución tecnológica de las artes que necesariamente cambió de manera radical los términos del "goce estético".
Brecht y Stanislavsky, teóricos importantes
del arte escénico que han hecho que sus escritos influencien a la gran mayoría
de artistas de occidente con sus postulados e investigaciones madurados en un mundo en crisis y en el marco de la tecnificación; abordan el tema de la
dirección desde puntos de vista muy similares en su forma; pero tan diferentes
en su contenido.
La versión brechtiana
Arreglo narrativo entonces presupone un
ordenamiento de los recursos de los cuales se puede valer un director para
expresar su idea al respecto de un texto en específico; estos recursos incluyen
a los actores, el atrezo, las luces, el sonido. La simultaneidad sonora exige
un pensamiento por dos vías pues lo que importa es la reflexión que queda de lo
que se ve; ya que lo que se vive es teatro y se es consciente de eso de
principio a fin. Brecht desarrolla dentro de su concepto de dirección en el Ensamble
Berliner este proceso llamado "Arreglo narrativo" que tenía directa
relación con lo que él tenía que "hacer" en los ensayos y la forma
como le iba a presentar sus cuadros teatrales al público. Si Brecht no hubiese
investigado y no hubiese tenido nada que decir, de seguro que no encuentra este
concepto en su vida artística.
Stanislavsky habla
Por otro lado se encuentra el llamado
"Diseño de Movimiento"; que es la forma como Stanislavsky asumía su
trabajo en escena; para el director del Teatro de Arte de Moscú el trabajo como
director estaba relacionado también con la organización y planeación de los
recursos disponibles para la escenificación; pero no con el concepto de emitir
una reflexión sobre su pensamiento; sino para lograr encontrar la idea general
del autor en la pieza dramática a representar. Este conjunto de movimientos en
el escenario era diseñado por Constantín para encontrar no sólo su conexión con
el dramaturgo, sino la espectacularidad de los cuadros teatrales. El concepto
de ilusión ha cambiado.
El Arreglo Narrativo o Diseño de Movimiento
es un momento del plan maestro de cualquier director ya sea en el cine o en el
teatro y vincula a todo el equipo creativo y técnico con el cual se trabaje; el
objetivo es brindar un momento de ilusión al público ya sea para la reflexión,
la emoción, la diversión; pero si es definitivo que todo director debe saber
qué respuesta quiere obtener del público; el equipo de trabajo en colaboración
con el director deben entender cuál es el plan del arreglo o del diseño que se
haga sobre la obra.
¿Cuáles son las necesidades del arreglo
narrativo o diseño de movimiento de una obra?, es la pregunta que debe
contestar cualquier artista que colabore para lograr completar el rompecabezas
de la puesta en escena. Desconocer que debe existir un arreglo o un diseño
previo es desconocer que existe el arte-ciencia y desconocer esto sería
entonces desconocer la misma historia del teatro.
